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El tumultuoso ascenso, caída y resurgimiento de la música de jazz

El jazz siempre ha tenido un impacto innegable en la cultura, aunque una relación tumultuosa con la música popular. En un momento dado, a mediados del siglo XX, el género estaba en primera línea. Tenía estrellas del pop. Miles Davis, con sus constantes y a veces desconcertantes innovaciones musicales y su afición a actuar de espaldas al público, era el Kanye West del género. Wynton Marsalis, con su compromiso con la “música pura”, era un análogo de Dave Grohl. Los escarceos religiosos de John Coltrane hacen pensar en Madonna.

Luego, durante los años 80 y 90, el jazz pareció perder el rumbo, gracias en parte a Kenny G, que dejó que el “jazz” significara una música más parecida al pop-rock contemporáneo bastardo. Hoy en día, los millennials están redescubriendo las jams de los padres fundadores del jazz, mientras que los artistas contemporáneos están teniendo sus propias pequeñas victorias. La estrella del jazz de hoy no puede competir con la estrella del pop moderno, pero sigue teniendo su lugar. Para examinar la trayectoria de la montaña rusa del jazz -y para señalar los nombres que consolidaron su importancia en la historia de la música- hemos reducido las cosas a una canción por vez, demostrativa de la década y del clima del jazz en ese momento.

1930s

La música swing surgió de la todavía latente Depresión de los años 30 y acercó el jazz más que nunca a la música popular. “In The Mood” es su canción perdurable. La Glen Miller Band tuvo un mínimo éxito antes de “Mood”, pero su éxito llegó en 1939 durante una temporada de tres meses en el Glen Island Casino de New Rochelle, Nueva York. Las actuaciones en el casino se retransmitieron a muchos a través de la radio, lo que convirtió a Glen Island en un trampolín para numerosos grupos de la década, aunque podría decirse que ninguno más que Miller. “Lo más importante para el éxito de Glenn fue que grabó ‘In the Mood’ mientras estaba en el casino”, dijo el biógrafo George T. Simon a The New York Times. “Eso le convirtió en el Michael Jackson de su época”.

La canción está animada por su inconfundible riff de saxofón inicial, destinado a atraer a los jitterbuggers a la pista de baile, y resaltada por un falso decrescendo a mitad de la canción (piensa en “Shout” de los Isley Brothers).

Dato extra: el saxofonista de jazz Joe Garland, y no Glenn Miller, compuso en realidad la canción, y el icónico lick inicial puede haber sido tomado de la melodía de 1930 de Wingy Manone “Tar Paper Stomp”. Los músicos jugaban rápido con las leyes de derechos de autor en aquellos días.

1940s

El Bebop, musicalmente complejo y promovido por músicos como Monk, Charlie Parker y Clifford Brown, supuso un giro del péndulo respecto a la música sencilla de los años 30. La improvisación tomó vuelo, los compases cambiaron, los acordes se expresaron de forma diferente. La inquietante “Round Midnight” de Monk encarna bien este cambio.

La canción, con sus pesados hi-hats, sus angulosos golpes de piano y sus armonías flotantes de trompeta y saxo, es compleja sin esfuerzo y sigue siendo el estándar de jazz más grabado de todos los tiempos. Al escucharla, describe con brillantez la imagen de un bar oscuro y rancio en la última llamada, y dura tres minutos antes de detenerse.

Dato extra: A menudo se atribuye a este tema el renacimiento de la carrera de Miles Davis tras los problemas del trompetista con las drogas. Davis llamó la atención de un cazatalentos de Columbia Records mientras tocaba el tema junto a Monk en el Festival de Jazz de Newport de 1955.

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